Antonio Canova (1757-1820) è il grande protagonista della scultura neoclassica: nelle sue opere il marmo torna a parlare il “linguaggio dell’antico”, ma con una dolcezza tutta moderna. Si rifà continuamente ai miti classici, che però non usa con uno scopo educativo, morale o politico, come fa ad esempio il pittore francese Jacques-Louis David: per Canova il mito è soprattutto un pretesto poetico, un mondo elegante e armonioso in cui far vivere la propria idea di bellezza.
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| Antonio Canova, dettaglio della Maddalena Giacente, 1819-1822, marmo, invenduta all'asta dopo essere scoperta in un giardino privato dopo 200 anni. |
Le figure sono idealizzate, perfette, immerse in una luce uniforme che cancella il dramma barocco e punta invece su calma, armonia, misura. Il corpo umano è al centro: levigato, senza asperità , costruito con una cura quasi ossessiva per l’anatomia ma sempre filtrato da un’idea di bellezza pura, astratta, eterna.
Le Tre Grazie
Nel gruppo delle Tre Grazie Canova rappresenta le tre divinità – Aglaia, Eufrosine e Talia – abbracciate in un girotondo lentissimo. I corpi nudi si sfiorano, si intrecciano con gesti lievi, quasi sussurrati: la scultura sembra ferma, ma in realtà è tutta un movimento circolare che invita a girarle intorno.
Nel gruppo delle Tre Grazie Canova rappresenta le tre divinità – Aglaia, Eufrosine e Talia – abbracciate in un girotondo lentissimo. I corpi nudi si sfiorano, si intrecciano con gesti lievi, quasi sussurrati: la scultura sembra ferma, ma in realtà è tutta un movimento circolare che invita a girarle intorno.
Il marmo è levigato fino a diventare pelle, i passaggi tra luce e ombra sono morbidi, continui. Grazia, eleganza e intimità sono il vero soggetto dell’opera, più ancora del mito.
Paolina Borghese come Venere vincitrice
Nella celebre Paolina Borghese Canova ritrae la sorella di Napoleone distesa su un triclinio, come una dea antica. Il busto nudo e la mela in mano la identificano con Venere Vincitrice: è un ritratto, ma travestito da mito. L’artista unisce la precisione quasi “fotografica” dei lineamenti di Paolina alla raffinata idealizzazione del corpo e del panneggio, che cade in pieghe sottili e regolari. Il lettino stesso, con i dettagli dorati e i cuscini gonfi, diventa parte integrante della composizione: un piccolo palcoscenico su cui la bellezza si mette in posa.
Amore e Psiche
In Amore e Psiche il momento rappresentato è quello del risveglio: Psiche è appena stata richiamata alla vita dal bacio di Cupido. I due corpi si incrociano secondo una grande X, che rende la scena dinamica e allo stesso tempo perfettamente equilibrata. Le braccia che si intrecciano, il volto di Amore che si china su Psiche, le ali che si aprono alle loro spalle: tutto concorre a creare un’immagine di tenerezza assoluta, dove il sentimento è intenso ma trattenuto, espresso attraverso la delicatezza del gesto più che attraverso il dramma.
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| Antonio Canova, Amore e Psiche, 1787-1793, marmo bianco, altezza cm 155, Louvre, Parigi. |
La cera e il “colorito” del marmo
Per rendere le sue sculture ancora più simili alla carne, Canova stendeva sulla superficie del marmo una sottile patina a base di cera (la cosiddetta “cera punica”) e pigmenti. Questo trattamento scaldava il bianco del marmo con una tonalità leggermente rosata, attenuando il gelo della pietra e facendo emergere quella famosa morbidezza che tanti contemporanei lodavano. L’effetto era quello di un corpo vivo, appena velato di luce, lontano sia dal candore abbagliante sia dal naturalismo eccessivo della policromia antica.
Per rendere le sue sculture ancora più simili alla carne, Canova stendeva sulla superficie del marmo una sottile patina a base di cera (la cosiddetta “cera punica”) e pigmenti. Questo trattamento scaldava il bianco del marmo con una tonalità leggermente rosata, attenuando il gelo della pietra e facendo emergere quella famosa morbidezza che tanti contemporanei lodavano. L’effetto era quello di un corpo vivo, appena velato di luce, lontano sia dal candore abbagliante sia dal naturalismo eccessivo della policromia antica.
Canova “imprenditore”: gessi, repliche e collezionisti
Accanto al grande artista c’è un Canova molto moderno, quasi un businessman dell’arte. Nel suo atelier si producevano accurati modelli in gesso delle sculture finite o in lavorazione; questi gessi potevano servire per nuove versioni in marmo, ma erano anche oggetti collezionabili.
Accanto al grande artista c’è un Canova molto moderno, quasi un businessman dell’arte. Nel suo atelier si producevano accurati modelli in gesso delle sculture finite o in lavorazione; questi gessi potevano servire per nuove versioni in marmo, ma erano anche oggetti collezionabili.
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| Operazione di misurazione e replicazione dell'originale. |
Ricchi committenti e viaggiatori del Grand Tour acquistavano gessi delle sue opere più celebri – come le Tre Grazie o Amore e Psiche – per decorare le proprie dimore e dimostrare gusto “all’antica”. In questo modo Canova controllava la diffusione del proprio stile, moltiplicava la presenza delle sue statue nelle case aristocratiche europee e, allo stesso tempo, costruiva una vera e propria “marca” personale ante litteram.
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| La superficie della scultura è punteggiata da piccoli chiodini/marker scuri in bronzo che erano punti di riferimento usati nei modelli per misurazioni e trasferimenti. |
Tempio Canoviano
Il Tempio di Possagno, o Tempio Canoviano, è il grande “monumento finale” di Antonio Canova, quasi la sua firma lasciata sul paesaggio del paese natale. Progettato dallo stesso artista, unisce in un unico edificio due modelli dell’antichità che lui amava profondamente: il pronao dorico del Partenone e la rotonda del Pantheon. Il risultato è una chiesa neoclassica purissima, bianca e solenne, posta su un’ampia scalinata e preceduta da un sagrato a ciottoli con motivi geometrici che guidano lo sguardo verso le colonne.
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| Antonio Canova, Tempio Canoviano, 1819-1830, Possagno. |
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